Europa ha sido la cuna de la civilización occidental en la que han florecido ciencia y arte. Este desarrollo magnífico del que formamos parte habría sido imposible sin el aporte de muchas mujeres artistas.
Porque ¿qué empuja a los seres humanos hacia el arte? ¿La búsqueda de la belleza?¿Transgredir las normas? ¿Plasmar sus conocimientos? ¿O quizá mejorar el mundo en el que vivimos? Aunque estos altos ideales han sido comunes para todos, la realidad es que las mujeres artistas han estado, tradicionalmente, mínimamente representadas en museos y galerías.
¿Es el talento de las mujeres artistas menor que el de los hombres? Indudablemente, no, pero sí es cierto que muchas han encontrado tremendas dificultades para poder expresarse y triunfar. Las mujeres artistas de este artículo sí conocieron el éxito durante su vidas, algo que todos los creadores desean pero que sólo está reservado para los más grandes.
Lavinia Fontana
¿Quién es Lavinia Fontana?
Lavinia Fontana (Bolonia, 1552 – Roma, 1614) fue una pintora italiana de la escuela manierista, famosa por ser una de las primeras mujeres en recibir grandes encargos y obtener el reconocimiento del público.
En 1577 se casó con Paolo Zappi, quien también era artista. Gracias a los ingresos que Fontana obtenía como pintora, no aportó dote al matrimonio, lo cual era algo insólito en aquel momento. Como la fama de ella era mucho mayor, su marido se convirtió en su asistente y representante. Tuvieron 11 hijos, de los que sobrevivieron 3: Flaminio, Horacio y Prospero.
La familia se trasladó a Roma, donde Fontana siguió con gran éxito su carrera artística. Fue elegida miembro de la Academia de San Luca de Roma.
¿Qué estudió Lavinia Fontana?
Fontana aprendió a pintar en el estudio de su padre, Prospero Fontana, en Bolonia. En aquel momento la ciudad tenía una gran vida cultural gracias a su famosa universidad, por lo que a los Fontana no les faltaba el trabajo.
Lavinia comenzó pintando retratos, en especial para las señoras de la alta sociedad de Bolonia. Cuando comenzó a ganar fama recibía encargos para pintar retablos y grandes escenas mitológicas. Una vez instalada en Roma recibió la protección de sus mecenas, la familia Buoncampagni, y del papa Gregorio XIII. A su muerte, en 1585, el papa Pablo V también demostró gran interés por el trabajo de Fontana, posando para ella en un retrato.
¿Cuáles son los cuadros más famosos de Lavinia Fontana?
Entre las obras más famosas de Lavinia Fontana destacan su Venus y Marte (Palacio de Liria), la Virgen del Silencio de El Escorial y Visita de la Reina de Saba al Rey Salomón (National Gallery of Ireland). Aunque quizá su verdadera obra maestra sea su propio autorretrato pintado durante su juventud (Autorretrato tocando la espineta de la Accademia di San Luca).
¿Por qué son importantes las obras de Lavinia Fontana?
Fontana vivió en la Italia de la Contrarreforma, un momento histórico que propició un gran auge en el arte religioso. Fontana fue la primera mujer en recibir encargos oficiales y pintar grandes retablos en las iglesias.
Clara Peeters
¿Quién es Clara Peeters?
Clara Peeters (¿Amberes?, h. 1590 – Amberes, h. 1659) es la gran artista del bodegón flamenco del siglo XVII. Por desgracia, todo lo que sabemos sobre esta artista es la información que nos ha dado su obra pictórica. Esto hace que el adentrarnos en su vida sea como viajar en el tiempo y ponernos en su papel a través de unos pocas pinceladas de información.
¿Cuándo empezó a pintar Clara Peeters?
No sabemos dónde nació exactamente, pero sí sabemos que su primera obra es de 1607. A esto le debemos sumar la suposición bien fundada de que su trayectoria profesional se desarrolló en la ciudad de Amberes. También se cree que pudo formarse con el pintor Osias Beert. El trabajo de Peeters es minucioso y detallista, por lo que tal vez pudo convertirse en maestra de otros pintores.
¿Qué tipo de cuadros pintó Clara Peeters?
Como resultado de las imposiciones de la época, la mayoría de los cuadros de Clara Peeters fueron bodegones. El mérito de Peeters es mayor si cabe, ya que, siendo mujer, fue capaz de destacar entre un montón de artistas.
En el momento que ella empezó a pintar, principios del siglo XVII, el bodegón no estaba tan extendido. Sin duda podemos decir que su obra colaboró a la consolidación de este género.
Clara Peeters y el mercado del arte
Clara Peeters se forjó como pintora en uno de los momentos culmen de la ciudad de Amberes. La ciudad había sido recuperada para la Corona española, convirtiéndose en uno de los mayores centros comerciales del mundo. Flandes brilló con especial fulgor bajo el gobierno de los archiduques Isabel Clara Eugenia y su marido Alberto de Austria.
Peeters pudo vender su arte a través de marchantes, que la darían a conocer a nuevos clientes. La obra de Peeters fue muy conocida y famosa en su momento, llegando a todos los rincones de Europa gracias a la importancia comercial de Amberes.
Clara Peeters y el Museo del Prado
En 2016, Peeters se convirtió en la primera mujer en protagonizar una exposición en el Museo del Prado.
Marie-Louise-Élisabeth Vigée Lebrun
Una artista en la Revolución
Élisabeth Vigée Lebrun (París, 1755 – Louvenciennes, 1842) fue una de las artistas más famosas de Francia antes de la Revolución, conocida, sobre todo, por sus cuadros de mujeres y niños. Su padre era un artista conocido que le enseñó algunas técnicas pictóricas, pero murió cuando ella tenía sólo doce años. A partir de ahí Vigée Le Brun siguió formándose de manera autodidacta, convirtiéndose en retratista para mantener a su madre y a su hermano. Con talento y mucho trabajo, pronto se ganó el éxito de la crítica y sus problemas económicos quedaron resueltos. Se casó con un marchante de arte y tuvo una hija.
Retratos amables
Élisabeth-Louise Vigée Le Brun tuvo tanto éxito éxito como retratista en Francia a finales del siglo XVIII que a menudo tenía lista de espera. ¿Por qué era tan popular? Sencillamente entendía a sus clientes y los complacía haciéndolos más atractivos, con poses elegantes y expresiones alegres.
Estilo y habilidad
Vigée Le Brun se interesó por la moda, y pintó la ropa con gran detalle y una técnica brillante. La riqueza y la elegancia de sus modelos se reflejan en sus lujosas prendas y en sus costosos accesorios. Le Brun era capaz de trasladar al lienzo las texturas de las telas: suaves sedas y tafetanes iridiscentes de los personajes más notables de la corte. A menudo seleccionaba el atuendo de sus modelos. Incluso diseñó tocados imaginativos inspirados en los turbantes del imperio Otomano que resaltarían las facciones de sus clientes.
¿Quién pintaba a María Antonieta?
En 1778, Vigée Le Brun fue convocada a Versalles, el palacio del rey Luis XVI y María Antonieta. Desde ese momento, se convirtió en la pintora favorita de la reina, su amiga y confidente. Para ella pintó algunos de sus cuadros más emblemáticos, como los que aparece acompañada de sus hijos.
La Revolución puso fin a la amistad de la artista y la reina. Su cercana relación la había puesto en peligro, así que tuvo que huir de París disfrazada. Pasó los siguientes dieciséis años viajando por Italia, Alemania, Austria, Rusia e Inglaterra mientras pintaba retratos de familias adineradas y de la realeza.
Le Brun regresó finalmente a Francia en 1805, después de que Napoleón Bonaparte estableciera un nuevo Imperio y el fin de la Revolución tocara a su fin. Siguió pintando, e incluso se le pidió que hiciera un retrato de la hermana de Napoleón. Sin lugar a duda Vigée Le Brun fue una celebridad en vida y pintó más de ochocientos retratos.
Los retratos más famosos de Vigée Lebrun
Entre los retratos más famosos de Vigée Lebrun se encuentran los que realizó para María Antonieta, tanto en solitario (1783), como con sus hijos (1787). Sus autorretratos (1782 , 1789 y 1790) también se encuentran entre las obras más destacadas.
Hilma af Klint
¿Quién es Hilma af Klint?
Hilma af Klint (Solna, Suecia, 1862 – Dandervd, Suecia, 1944) nació en una familia de marinos y cartógrafos navales, donde desde pequeña demostró su buen manejo del lápiz. Se formó en la Escuela Técnica Konstfack, especializándose en retratos. De allí pasó a la Real Academia Sueca de Bellas Artes, obteniendo varias becas para seguir avanzando en sus estudios y participar en exposiciones.
¿Qué inspiró a Hilma af Klint?
A los 17 años, af Klint empezó a participar en sesiones espiritistas, que marcaron su camino en la búsqueda de su propia espiritualidad. Llegó a presidir la Sociedad Teosófica, además de colaborar con distintas asociaciones espirituales. Af Klint dio su paso más importante formando el grupo De Fem (Las Cinco) junto a otras cuatro artistas. Juntas experimentaron con dibujos automáticos que les venían inspirados por por fuerzas invisibles. La propia Hilma ejercía de médium en estas sesiones, donde la creatividad fluía a raudales.
¿Por qué es importante Hilma af Klint?
Hilma af Klint consideraba que los dibujos y obras creadas en el transcurso de sus sesiones espiritistas eran demasiado modernas y extrañas. Así se lo hizo entender también su amigo el filósofo Rudolf Steiner, quien no fue capaz de interpretar las pinturas. Su creación fue llevada a cabo en la más absoluta clandestinidad, ya que Hilma tenía una carrera como paisajista tradicional. Convencida por Steiner, af Klint decidió esconder su obra: pidió a su sobrino que las mantuviera en secreto hasta 20 años después de su muerte.
Af Klint fue la primera artista en desarrollar arte abstracto. Sus minuciosas anotaciones sobre sus pensamientos y estudios demuestran que ya en 1906 af Klint estaba trabajando su particular universo creativo.
¿Dónde están los cuadros de Hilma af Klint?
Los cuadros de Hilma af Klint permanecieron ocultos como propiedad de su familia. En 1970 se ofreció toda la colección al Moderna Museet de Estocolmo, quien la declinó. No fue hasta unos años más tarde cuando comenzó a estudiarse su obra y darse a conocer en distintas conferencias y exposiciones. La Fundación Hilma av Klint custodia su legado, que puede verse principalmente en el Moderna Museet y otros museos suecos.
María Blanchard
¿Quién es María Blanchard?
María Blanchard (Santander, 1881 – París, 1932) nació en una familia acomodada y con inquietudes culturales. Su madre sufrió un grave accidente mientras estaba embarazada de María, por lo que la niña nació con una malformación de columna. Esta condición le afectaría tanto física como emocionalmente durante toda su vida.
Tras haber triunfado en su carrera, Blanchard sintió hondamente la muerte de uno de sus amigos, el pintor Juan Gris. Siguió pintando hasta el final de sus días, pero sin poder quitarse la pena y el dolor de su cuerpo maltrecho.
¿Dónde estudió María Blanchard?
En 1903 se trasladó a Madrid, donde comenzó su formación con los pintores Emilio Sala, Fernando Álvarez de Sotomayor y Manuel Benedito. En esta época participaba en distintos concursos y exposiciones, como las de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.
Gracias a varias becas, Blanchard se muda a París para seguir estudiando. Allí, comienza a relacionarse con algunos de los artistas más famosos del momento, como Diego Rivera o Juan Gris. Con ellos compartía conocimientos, viajes por Europa y estudio.
El cubismo de María Blanchard
El cubismo de María Blanchard es muy personal, incluso emotivo, pero totalmente a la altura de las obras de otros pintores de renombre. Blanchard dominaba el color, interpretándolo con gran maestría en composiciones por otro lado austeras y de formas muy definidas. Es gracias a sus pinturas cubistas que Blanchard consigue la fama y el reconocimiento de la crítica.
¿Por qué es famosa María Blanchard?
María Blanchard es una de las mujeres artistas españolas más destacadas y, sobre todo, más apasionadas por su trabajo. Tanto en su etapa cubista, que podría considerarse la cumbre su carrera; como sus obras posteriores, llenas de sensibilidad y madurez, la convierten en un referente a explorar.
Liubov Popova
Liubov Popova y el constructivismo ruso
Liubov Popova (Ivanovskoie, Moscú 1889 – 1924) nació en una familia muy rica. Su padre era un empresario textil y patrono de las artes. La pequeña Liubov desarrolló el gusto artístico de su familia, interesándose desde muy niña por el Renacimiento italiano.
En sus primeros pasos artísticos, Popova va incorporando a sus obras elementos de gran modernidad. Pero es tras el éxito de la Revolución rusa cuando trabaja activamente en la difusión de un arte geométrico con gran importancia del color: casi parece arquitectura. Popova fue una de las ideólogas del constructivismo ruso: un estilo artístico radicalmente moderno y democrático adaptado a las necesidades rusas postrevolucionarias.
¿Dónde se formó Liubov Popova?
A los 11 años Popova empezó a recibir clases de pintura, pero no fue hasta los 18 cuando comenzó a formarse en los talleres de varios artistas rusos: Stanislav Zhukovsky, Konstantin Yuon e Ivan Dudin. En 1912 Popova se marchó a París para estudiar en los talleres de los cubistas Jean Metzinger y Henri Le Fauconnier. Entró en contacto con otros jóvenes artistas de las vanguardias. Regresó a Moscú, donde frecuentaba el taller de Tatlin. En 1914, durante su estancia en Italia estudia a Giotto y se interesa por el movimiento futurista.
A su regreso a Rusia por el inicio de la Primera Guerra Mundial, Popova se une a los suprematistas de Malevich, desarrollando un arte que ya es completamente abstracto.
¿Por qué es famosa Liubov Popova?
Popova destacó como una de las artistas más rompedoras de las vanguardias rusas, siendo una de las inspiradoras del arte revolucionario. Su serie de Arquitecturas pictóricas es una investigación de la pintura abstracta. Como miembro de Injuk (Instituto de la Cultura Artística) promulgó la necesidad de que los artistas crearan un arte utilitario que sirviera a la gente: atrás quedaba la pintura de caballete puramente decorativa. Popova se decantó por el diseño textil y la escenografía teatral, aunque también diseñó numerosos carteles y tipografías.
Tamara de Lempicka
¿Quién fue Tamara de Lempicka?
De todas las mujeres artistas, Tamara de Lempicka (Varsovia, 1898 – Cuernavaca, 1980) es, sin duda, la más elegante y glamourosa de todos los tiempos. Nació en una familia acomodada y comenzó su formación artística en el ostentoso San Petersburgo de la belle époque. La I Guerra Mundial y, más tarde, la Revolución, trajeron vientos de cambio en Rusia, por lo que Tamara y su marido tuvieron que refugiarse en París.
La carrera artística de Lempicka comenzó a despegar junto con su vida social. Sus amigos eran los mismos aristócratas a los que retrataba. Su propia casa, lugar de tantas fiestas memorables, se convirtió en objeto de culto para las revista de diseño por su innegable estilo; mientras que la artista ocupada titulares en las revistas de moda.
Tamara de Lempicka y el Art Décó
Lempicka saltó a la fama internacionalmente gracias a la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales de París de 1925, donde se formalizó el estilo del que ella sería abanderada: el Art Déco. A partir de ese momento, Lempicka comenzó a recibir encargos importantes en EE.UU., donde se trasladó definitivamente al comenzar la II Guerra Mundial.
¿Dónde estudió arte Tamara de Lempicka?
Tras haber asistido a un internado en Lausana (Suiza), Lempicka se trasladó con su familia a San Petersburgo. Allí acudió a la Academia Imperial de las Artes (Императорская Академия художеств) hasta que la Revolución provocó su exilio.
Una vez estaba instalada en París, Lempicka tomó clases en la Academia Ranson y en la Academia de la Grande Chaumière.
¿Qué estilo tiene Tamara de Lempicka?
Tamara de Lempicka no terminaba de encontrar el atractivo a las pinturas de su época, ya que su gran fuente de inspiración eran las obras de Botticelli y la pintura flamenca del siglo XVII. Aún así, creó una nueva modernidad al incorporar recursos estéticos como el cubismo y el futurismo. Su estilo es claramente el Art Déco.
Tove Jansson
¿Quién es Tove Jansson?
Tove Jansson (Helsinki, 1914 – Helsinki, 2001) es una de las artistas finlandesas más conocidas, en especial por ser la creadora de esos entrañables trolls llamados Moomins. Jansson nació en una familia de artistas, así que el arte y la creatividad corrían por sus venas. Comenzó realizando viñetas y portadas para una revista satírica, mientas lo compaginaba con sus estudios de arte en Helsinki, Estocolmo y París.
A medida que su fama iba creciendo, comenzó a recibir encargos oficiales. Además, comenzó una fructífera carrera como escritora, llegando a recibir el premio Hans Christian Andersen de Literatura en 1969.
Tove Jansson y los Moomins
La idea de los Moomins (o Mumins) surgió como una evasión de los problemas de la guerra. El hermano de Tove estaba en el frente, y durante mucho tiempo la familia no tuvo noticias de él. Jansson se volcó en dibujar: así fue creando el pequeño universo feliz de los Moomins.
Los Moomins son en Finlandia tan famosos como Mickey Mouse. Cuentan con su propio parque de atracciones, series de televisión, infinidad de artículos de merchandising e ¡incluso una ópera!
Los libros de Tove Jansson
Tove Jansson también tuvo una brillante y larga carrera como escritora. Los Moomins forman una parte fundamental de su producción literaria tanto en colecciones de historietas como en novelas gráficas. Jansson también escribió pequeños cuentos, novelas completas, libros de ilustraciones y varios recopilatorios de historias breves.
Tove Jansson ilustradora
A pesar de su éxito como autora, Jansson siempre se consideró artista plástica. Además de las viñetas que realizó a lo largo de toda su carrera, sus trabajos más destacados son las ilustraciones para la edición en sueco de El Hobbit, y Alicia en el País de las Maravillas.
Niki de Saint Phalle
¿Quién es Niki de Saint Phalle?
Niki de Saint Phalle (Neuilly-sur-Seine, Francia, 1930 – San Diego, EE.UU., 2002) es la artista que creó una nueva imagen de la mujer. Tras vivir una infancia traumática y un matrimonio complicado, Saint Phalle ingresó en una clínica psiquiátrica. Allí descubrió el arte, y comenzó a utilizarlo como terapia para superar sus problemas.
El Nuevo Realismo
Saint Phalle se instaló en París, donde comenzó a relacionarse con artistas: observaba como trabajaban y aprendía de todos sus contactos. Su salto a la fama llegó a gracias a unas performances llamadas Tiros (Tirs) en las que la artista disparaba con una escopeta a sus esculturas collage que escondían bolsas con pintura.
Se unió al grupo del Nuevo Realismo, donde era la única mujer y con los que participó en numerosas exposiciones internacionales.
¿Qué son las Nanas de Niki de Saint Phalle?
Las Nanas son uno de los emblemas del arte de Niki de Saint Phalle. Se trata de esculturas femeninas, enormes y muy redondas, normalmente decoradas con brillantes colores. Son un homenaje a la mujer, que nunca antes había sido representada de forma tan libre y expresiva.
¿Cómo hacía Niki de Saint Phalle sus esculturas?
Podríamos decir que Saint Phalle es una escultora de grandes dimensiones. Su empeño por conquistar el espacio público, hasta entonces reservado a los hombres, le llevó a diseñar monumentos de gran significación urbana: el Jardín del Tarot, el Círculo Mágico de la Reina Califa o los parques infantiles de Israel y Bélgica.
Pero la grandeza en el mundo del arte tiene un alto precio, que muchas veces se cobra la vida del artista. Niki de Saint Phalle no podría escapar a esta relación entre el arte y la muerte. Tras varias décadas trabajando con diversas pinturas de poliéster y todo tipo fibras, su salud se resintió.
Hrafnhildur Arnardottir (Shoplifter)
¿Quién es Hrafnhildur Arnardóttir?
Hrafnhildur Arnardóttir (Reikiavik, 1969), también conocida como Shoplifter, es una de las artistas islandesas más populares. Sus esculturas e instalaciones construidas con pelo (natural y/o sintético) están llenas de humor, pero exploran temas como la vanidad, la belleza y los mitos.
Shoplifter aprendió a trabajar con pelo junto a su abuela, quien le enseñó a trenzarlo y modelarlo. La artista trabaja principalmente creando instalaciones, esculturas y performances, pero también ha colaborado con diseñadores de moda y objetos.
Su apodo, Shoplifter (ladrona), proviene de sus primeros momentos en Nueva York, donde se mudó para estudiar un máster y se quedó. Ante la dificultad que tenían sus nuevos amigos para entender y pronunciar su nombre islandés, uno de ellos entendió que decía «Shoplifter», y con este apodo se quedó.
Chromo sapiens
Shoplifter fue la representante islandesa en la Bienal de Venecia de 2019, donde creó todo un universo de color que envolvía al visitante. La instalación Chromo sapiens consistía en tres cuevas en distintas tonalidades de pelo que podían ser acariciadas. La música ambiente acompañaba al público, que se movía entre sentimientos encontrados de belleza y repulsión.
¿Por qué es famosa Shoplifter?
Las originales instalaciones peludas de Shoplifter le han traído fama mundial. Ha expuesto tapices en museos, creado pelucas para cantantes como Björk y realizado intervenciones en plena naturaleza, Sus obras están llenas de colores alegres que sobrepasan los límites de lo natural. Shoplifter está convencida de que el color trae felicidad.
